Innovación en materiales, investigación de productos y artesanía contemporánea.
En Semana del Diseño de Milán 2026, Las marcas de ATLANTE Design presentaron una selección cuidadosamente elegida de proyectos. que articulen una visión precisa: el producto como interfaz estratégica entre la investigación de materiales y la aplicación espacial.
En toda la cartera de productos, las marcas abordaron la materia como medio y mensaje, explorando superficies, procesos y tipologías que van más allá de la función para dar forma a narrativas y experiencias arquitectónicas.
El resultado es un paisaje cohesivo pero diverso donde La artesanía, la experimentación y la inteligencia del diseño convergen en objetos. Concebidos no solo para existir, sino para activar los espacios que habitan.
De Marchi Verona — La porcelana como lenguaje arquitectónico
De Marchi Verona avanzó su exploración de la porcelana como componente estructural y expresivo En el ámbito de la arquitectura, la marca, presentada en un espacio temporal en Brera, articuló dos direcciones complementarias: una arraigada en la herencia y la otra en la experimentación contemporánea.
Por un lado, el reedición del proyecto Montedoria, desarrollado en colaboración con la Fondazione Gio Ponti, reactiva un sistema histórico a través de un rendimiento técnico actualizado y detalles refinados. Más que un renacimiento, el proyecto funciona como una traducción, trayendo un La visión modernista aplicada a los contextos arquitectónicos actuales. preservando al mismo tiempo su integridad conceptual.
En paralelo, Las nuevas colecciones de Monica Armani investigan la porcelana como medio para dar forma a la luz, el ritmo y la percepción.. Aquí, las superficies evolucionan más allá de su función tradicional para convertirse en dispositivos espaciales activos: elementos que interactúan con su entorno, modulando la profundidad, la reflexión y la atmósfera.
Juntos, Estas dos trayectorias definen un posicionamiento coherente: la porcelana no como revestimiento, sino como lenguaje arquitectónico.—capaz de estructurar el espacio, transmitir identidad y tender puentes entre el pasado y el presente a través de la inteligencia material.
Dante Negro — El arte como sistema vivo
Dante Negro presentó un Un conjunto de obras coherente donde la artesanía no se concibe como una herencia, sino como una metodología de diseño en constante evolución.
En el centro de esta exploración se encuentra la Corda colección, desarrollada dentro Creando hacia adelante, un proyecto de Zanellato/Bortotto para Valcucine.
La colección se caracteriza por nodos metálicos forjados a mano —cada pieza moldeada durante horas— donde el proceso de creación permanece visible. El resultado es un sistema de elementos que fusiona el tiempo artesanal con una visión de futuro en la experimentación con materiales, ampliando el potencial expresivo del metal.
Esta misma lógica se extiende a la Dolmen Colección diseñada por Margherita Rui.
Dolmen, que incluye sillones y mesas de centro, transforma el hierro forjado en formas arquitectónicas.—Sólidas pero permeables, estructuradas pero abiertas. Las piezas están concebidas para definir el espacio mediante su presencia, creando una continuidad entre los ambientes interiores y exteriores.
Junto a esto, el Tipo La colección, diseñada por Stormo Studio, introduce un lenguaje más modular y rítmico. Las mesas de centro se convierten en unidades compositivas, donde la proporción y la repetición generan un sistema flexible adaptable a diferentes configuraciones espaciales.
La narrativa material se refuerza aún más a través de la Colecciones patrimoniales (Galería y Amarcord), donde el tratamiento de la superficie y la dirección CMF enfatizan la profundidad táctil y visual del hierro forjado. Los acabados no son capas decorativas, sino que forman parte integral de la identidad de cada pieza.
En todas sus colecciones, Dante Negro define un posicionamiento preciso: el metal no se trata como un material fijo, sino como un medio dinámico.—capaz de conservar la huella de los procesos manuales al tiempo que se abre a nuevas interpretaciones formales y funcionales.
Un diálogo continuo entre artesanía y diseño, donde cada objeto se convierte a la vez en estructura e historia.
Ninefifty: Piedra volcánica y terracota reinterpretadas
La presentación de Ninefifty articuló una exploración coherente de La terracota y la piedra volcánica como medio de diseño contemporáneo.—donde la investigación de materiales, el tratamiento de superficies y la geometría convergen en un lenguaje de producto preciso.
En el centro de esta narrativa se encuentra Mangas verdes, la instalación de Elisa Ossino: un sistema de mesas y taburetes que transforma la piedra del Etna a través de una piel vítrea. La aplicación de esmaltes con alto contenido de sílice genera una capa translúcida que revela, en lugar de ocultar, la porosidad del material volcánico. Una gama de verdes —derivados de reacciones de óxido de cobre— aporta profundidad cromática, con reflejos iridiscentes que varían con la luz natural. El resultado es una colección donde la densidad mineral se fusiona con la ligereza óptica.
Esta misma tensión entre peso y percepción continúa en Xifonía, una serie de taburetes también diseñados por Elisa Ossino. Aquí, la geometría se vuelve más estricta, casi arquetípica. Los asientos de piedra volcánica, con un acabado vidriado punteado, descansan sobre bases de hierro cortadas con láser, reducidas a un mero signo gráfico. El contraste define el producto: la masa elevada a una ligereza visual, la materia disciplinada por la forma.
Además de esto, Inverso, Diseñado por Margherita Rui, este proyecto introduce un sistema modular de baldosas de piedra volcánica basado en la interacción de opuestos. Los módulos en blanco y negro se desarrollan mediante la sustracción, generando patrones que equilibran el espacio positivo y negativo. Enraizada en las tradiciones artesanales de Caltagirone —el corte, el secado natural y el esmaltado a mano—, la colección funciona como un sistema abierto, permitiendo composiciones continuas en diversas superficies y contextos.
Con ello surge una dimensión más arquitectónica y espacial. Consola Balera, Diseñado por Studiotamat y Arianna De Luca. Combinando una tapa de piedra volcánica con revestimiento de terracota vidriada, la pieza introduce Bussola, una colección en blanco y negro inspirada en la icónica cultura de los clubes nocturnos italianos. Compacta pero expresiva, la consola reinterpreta el lenguaje de las cabinas de DJ, transformando un objeto funcional en un activador social dentro del espacio.
En todas sus colecciones, Ninefifty define una dirección clara: transformar la piedra volcánica, un material tradicionalmente pesado y opaco, en una superficie versátil, luminosa y con gran capacidad narrativa. Mediante la artesanía, la investigación química y el rigor formal, cada producto se convierte en una interfaz única entre la naturaleza y el diseño, donde ninguna pieza es idéntica y la variación se incorpora como valor.
Este conjunto de trabajos posiciona a Ninefifty no simplemente como un productor de superficies, sino como un constructor de sistemas, capaz de traducir el patrimonio material en aplicaciones contemporáneas y adaptables para la arquitectura y el diseño de interiores.
Giorgio Bena — Más allá del acero
Para la Semana del Diseño de Milán 2026, Giorgio Bena presentó Limbo, un nuevo conjunto de obras que marca una clara evolución en su lenguaje de diseño.
En el centro de la colección se encuentra un cambio conceptual preciso: el uso del espacio vacío como material estructural. Con el Mesa de comedor Limbo y Silla de comedor Limbo, El volumen se reduce a sus límites esenciales.—la masa se deconstruye, y lo que queda es un sistema de relaciones entre elementos. La estructura se convierte en el proyecto en sí mismo.
El diálogo entre madera contrachapada de abedul teñida de tabaco y aluminio cepillado a mano Introduce una nueva tensión material en la práctica de Bena. La madera y el metal no se superponen, sino que se definen mutuamente, equilibrando calidez y precisión, opacidad y reflexión.
Limbo Se rige por un enfoque riguroso: restar en lugar de sumar, Se abraza el vacío como herramienta de diseño. El resultado es una serie de piezas que rechazan el exceso narrativo, centrándose en cambio en la proporción, el equilibrio y la claridad de la construcción.
Esta nueva dirección se basa en los cimientos establecidos con el Lockwerk Colección. Desarrollada durante los primeros años de práctica independiente de Bena, Lockwerk explora el acero inoxidable a través de una lógica constructiva explícita, donde los tornillos, pernos y uniones no se ocultan, sino que se enfatizan.
Objetos como el Estantería Lockwerk Lounge—galardonado como “Mejor Producto Inédito” en EDIT Napoli 2023— define una estética que oscila entre el rigor industrial y una forma de brutalismo contenido. Un lenguaje donde los elementos técnicos se convierten en características compositivas.
En ambas colecciones emerge una visión coherente: el diseño como un acto de reducción y precisión, donde cada unión, cada vacío y cada transición de material contribuye a la definición del objeto.
CCONTINUA + MAMT — La cerámica como sistema narrativo
CCONTINUA+MAMT presentado El Jardín de las Sirenas, a Proyecto específico desarrollado para Alysi que posiciona la cerámica como un medio para contar historias y construir espacios.
Concebido como un entorno inmersivo, La instalación se despliega a través de una constelación de objetos cerámicos que funcionan como cuerpos narrativos.—formas que fusionan simbolismo, textura y presencia material. Inspirándose en la iconografía en capas de la sirena, el proyecto explora temas de Transformación, hibridez e identidad, traduciendo el mito a un lenguaje táctil y contemporáneo.
Los jarrones y los elementos escultóricos se convierten en superficies porosas, que alberga referencias orgánicas, signos y variaciones cromáticas. Desarrollada en colaboración con Albasser Studio, la integración de composiciones florales introduce una dimensión temporal, transformando los objetos en sistemas vivos que evolucionan con el tiempo.
En lugar de piezas discretas, las obras funcionan como presencias interconectadas dentro de un paisaje fluido, donde la luz, la sombra y el color contribuyen a crear una atmósfera suspendida, casi cinematográfica. El mito no se trata como mero adorno, sino como un marco conceptual que influye tanto en la forma como en la percepción.
A través de este proyecto, CCONTINUA + MAMT amplían el papel de la cerámica más allá de la creación de objetos, definiendo una práctica donde la materia conlleva profundidad narrativa y donde el espacio se convierte en una plataforma para la transformación continua.
Giovanni Botticelli × Aina Kari — Entre el vidrio, la luz y la arquitectura
En casa de Artemest El apartamento, Giovanni Botticelli colaboró con Aina Kari en una serie de Objetos de vidrio y espejo que reinterpretan la iconografía arquitectónica veneciana. mediante la precisión de los materiales y la composición reflectante.
El San Marco portavelas Combina cristal de Murano en un profundo tono café con superficies espejadas, creando un objeto con múltiples capas donde la luz se fragmenta y se recompone. La interacción entre transparencia y reflexión se convierte en el principio de diseño fundamental, transformando un objeto funcional en un dispositivo perceptivo.
En Los 4 puentes sobre el Canal Grande, El candelabro de doble cara transforma las estructuras urbanas venecianas en un objeto arquitectónico compacto. Los cuatro puentes se abstraen en una geometría rítmica, donde el vidrio y el espejo funcionan como superficies narrativas más que como elementos decorativos.
Presentado dentro del paisaje doméstico curado de El apartamento, La colección concibe el vidrio no como un adorno, sino como un instrumento espacial, capaz de reinterpretar la memoria arquitectónica, modular la luz y construir umbrales visuales íntimos entre el objeto y el entorno.
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